Arte en España de 1700-1900
el siglo XVIII español está dominado por la presencia de artistas extranjeros, muchos de ellos cultivando aún un estilo barroco: .
Luis Egidio Meléndez nacido en Nápoles hizo casi toda su carrera en Madrid y se le considera uno de los mejores pintores de naturalezas muertas del siglo XVIII. A pesar de su reputación, conoció una gran miseria.
Luis Paret, de estilo muy personal, estuvo desterrado unos años en Puerto Rico, donde creó escuela. Trató tanto el paisajismo como las escenas de interior.
A finales de siglo, comienza a trabajar uno de los genios de la pintura española, Francisco de Goya y Lucientes, que se sitúa a caballo entre los siglos XVIII y XIX formado principalmente en el movimiento artístico rococó, experimentó todas las corrientes artísticas de su tiempo para finalmente utilizar en un estilo personal, inclasificable en ninguna de ellas.

Francisco de Goya.

Nació en Zaragoza el 30 de marzo de 1746 y murió en Burdeos el 16 de abril de 1828.

Tuvo varias etapas o series a lo largo de su carrera, las cuales demuestran lo que vivía, al principio era muy realista todo era a pedido, más tarde fue un poco religioso y cuando se enfermó comenzó a ser más creativo y al final, gracias a la guerra de Independencia fue conocido por su pintura bélica.

La primera etapa fue de 1775 a 1792 mas o menos, en la cual hubieron 4 series, todas parecidas entre si ya que hacia ciertos retratos a gente de la realza, gracias a los cuales tuvo mucha fama, y fue un retratista bastante conocido, y cuadros no muy atrevidos por que todo lo que pintaba era a pedido.  Su siguiente etapa fue cuando tuvo que pintar para la Basílica de Nuestra Señora del Pilar, así que claro está que la mayoría de sus pinturas eran católicas, representaciones de Jesús y diferentes cosas. Más tarde, de 1793-1799, en la cual se fue alejando poco a poco de sus compromisos y pedidos de la corte y empezó a ser más libre, empezó a ver el arte y la creatividad de forma diferente la cual fue difícil de expresar. Y esta etapa coincidió con su enfermedad, que posiblemente era saturnismo. A partir de 1794 reanudó su relación con la nobleza madrileña, así que comenzó a volver a hacer muchos retratos, aunque antes de esto en 1771 ya había publicado ciertos grabados, y mientras pintaba para la realeza muy conservador trataba de expresar el dolor que sentía con la guerra, y todo lo que sufría el pueblo. Fue una etapa difícil ya que además de estar enfermo tenía que sufrir

La maja desnuda

La maja desnuda es una de las obras más importantes y famosas de francisco  de Goya, el cuadro e pinto por encargo cerca de 1800 la pinto con una obra pareja, la maja vestida a la que pinto entre 1802 y 1805, en las dos pinturas se encuentra una mujer hermosa recostada mirando al observador del cuadro, la mujer no es perfecta como muchos las pintaban si no que es real, es una pintura característica de goya por ser contemporánea y a la época en la que se hiso se llamó “la gitana” el cuadro no fue pintado para formar una pareja, sin embargo así paso.

Muchos creen que la mujer del cuadro es la duquesa de alba que había muerto en esos años y creen que ella se lo encargo pintar.

El cuadro esta pintado con colores de una gama cromática fría que es característica del neoclasicismo , esta obra es distinta a la mayoría de las obras de goya porque la pintura es erótica y es muy audaz y atrevida  para su época ya que el rostro de la mujer y su actitud reflejan felicidad y satisfacción lo que no era comúnmente representado en esa época, de echo esta fue la primer obra en la que se pinta el vello púbico de la mujer.

Goya pinto a la mujer con mucha luminosidad a diferencia de lo que la esta rodeando asi que se genera un contraste  aparte fefleja sentimientos en la mirada.

El cacharrero

Goya utiliza pinceladas fuertes para sus pinturas pero en esta a pesar de eso se pueden notar la gran cantidad de detalles que le pone a las caras de las personas, también se pueden ver claramente los contrastes que hace entre luz y sombra y parece que la luz viene de atrás, el cuadro plantea una escena de contraste social, de la familia rica en una carrosa pasando junto a unas personas sentadas en la carretera muy humildes.

Los duques de osuna y sus hijos

Esta pintura fue echa para los duques de osuna que por esta época estaban decorando una de sus casas y para esto solicitaron a Goya una serie de cuadros de costumbres con características parecidas a las de los modelos para tapices de los Sitios Reales, que fueron entregados en 1787. En esta pintura las diferencias con los cartones para la Real Fábrica son notables. La proporción de las figuras es más reducida, con lo que se destaca el carácter teatral y rococó del paisaje. La naturaleza adopta un carácter sublime.

San Bernardino de Siena

Goya, junto con los mejores pintores del momento, fue requerido para pintar uno de los cuadros que iban a decorar la iglesia  de san francisco el grande de Madrid, esto es para el una gran  oportunidad de hacerles competencia a los mejores artistas de la época  Goya  hace un trabajo muy bueno en la iglesia y con esto ayuda a su carrera artística muchísimo esrte es el cuadro que pintó en en la iglesia de san francisco el grande.

Goya aún pintó en otra de sus etapas artísticas tres series de cuadros pequeños de tema como  el misterio, la brujería, la noche e incluso la crueldad y están relacionados temáticamente con los primeros cuadros de capricho e invención que pintó tras su enfermedad de 1793  Antes de que finalizara el siglo XVIII.

En esta etapa de su pintura es la de los diparates y las pinturas negras, estas son retratan situaciones de la vida cotidiana de la ciudad burdeos y los dibuja en sus paseos por la ciudad en estos paseos los dibujos que hace sin importancia terminan siendo expuestos y siendo importantes, la malloria de los dibujos están a lápiz, carbón, grabado o a veces hacia los bocetos a lápiz y los pasaba a oleo, la mayoría de los dibujos son sobre clase humildes y marginadas o de ancianos juguetones y felices, los dibujos también son dramáticos y este en especial es una proyección de goya, se esta dibujando a el como un viejo que no puede caminar sin sus bastones. Este cuadro lo hace en el año 1826 aprox.

Eduardo Rosales Gallina

Rosales es una figura determinante de la pintura española del siglo XIX por su aportación a la pintura de historia, género cuyo auge respaldó e impulsó con el Testamento de Isabel la Católica de 1864, o la más trágica Muerte de Lucrecia de 1871, medalla de oro en la Exposición Nacional de ese mismo año. Ambas obras se custodian hoy en el citado Casón. 

Impregnó sus cuadros con el nervio, la vivencia y la virilidad que hoy nos apasionan, nos admiran y nos obligan a amar su recuerdo y su presencia en cada pincelada. Con gran fidelidad a sí mismo pintó Rosales como sentía la pintura, sin atenerse a las clásicas normas academicistas, y desde el respeto a sus maestros, traspaso las barreras de su tiempo, poseyó un concepto del color que dimanaba de su intimidad poética y un admirable sentido de perfección en el dibujo.

 Doña Isabel la Católica dictando su testamento

En esta pintura de historia representa el momento en el que la reina Isabel dicta su testamento

Es del período romántico es de un estilo más realista que obras precedentes de Rosales. Invirtió en ella año y medio de trabajo, y la presentó a la Exposición Universal de París de 1867. Después volvió a Roma, a donde le llegó telegrama del paisajista Martín Rico y Raimundo de Madrazo que le dieron la noticia del éxito alcanzado por su cuadro: primera medalla de oro para extranjeros. Le concedieron la Legión de honor. 

La muerte de Lucrecia

la muerte de Lucrecia, patricia romana violada por el hijo del último rey, Tarquino,. Corría el año 510 antes de Cristo. Lucrecia se suicidó para lavar la afrenta que había recaído sobre su padre Lucrecio y su esposo Colatino, que la sostienen en la imagen que contemplamos mientras Bruto arranca el cuchillo que Lucrecia se clavó en el corazón. Lucrecia quedó así como ejemplo de valor moral ante el deshonor y el ataque a la familia.  fue un tema muy querido por los pintores neoclásicos, que buscaban regenerar la moralidad de la aristocracia corrupta del rococó dieciochesco. Rosales recupera este episodio de la historia romana tratándolo de una manera pasional, desbordada, como un romántico. 

Presentación de don Juan de Austria ante Carlos V en Yuste 

representa el momento en que un adolescente don Juan de Austria,. Don Carlos aparece junto a una ventana, prácticamente inválido por los continuos ataques de gota, por lo que lleva las piernas cubiertas con una manta, reposándolas sobre un cojín. El emperador se acompaña de su fiel mastín y de dos frailes jerónimos del cercano monasterio. En el extremo opuesto se ubican los nobles de la corte imperial y el don Juan, vestido de azul i, presentado a su padre por su tutor, don Luis de Quijada. La técnica que consigue crear las figuras con un empastado y breve. A pesar de reducido tamaño, la escena no pierde .

El lienzo fue encargado por el duque de Bailén y presentado a la Exposición Nacional de 1871. 

Tobías y el ángel' 

El cuadro muestra al protagonista buscando refugio en el ángel, el cual ligeramente vuelto hacia la izquierda señala con su mano izquierda al pez, tranquilizando al joven. 
Abordado con una estética muy cercana a los pintores nazarenos alemanes y prerrafaelitas italianos, Rosales demuestra en esta obra su conocimiento de las tendencias pictóricas europeas, que ya conocía antes de viajar a Roma. Influencias que bien pudieron llegarle a través de sus maestros Carlos Luis de Ribera o Federico de Madrazo. 
El pintor realizó numerosos dibujos y bocetos preparatorios, que demuestran lo estudiado de la composición y la preocupación del artista por el resultado final. Características que chocan, sin embargo, con el intencionado aspecto inconcluso de la obra, que enlaza con las indagaciones estéticas visibles en otros cuadros de esta época como Ofelia (P4623) o el Desnudo femenino (P4616). 

Por lo que esta mujer al salir del baño que contemplamos se convierte en una de las más acertadas muestras del artista. Aparentemente parece que está sin concluir pero se trata de una obra final, posiblemente realizada en una sola sesión de la modelo. La mujer está vista de espaldas, inclinándose hacia la izquierda para secarse las piernas, resultando un escorzo de gran calidad. Se recorta ante el fondo oscuro donde destaca la cortina verde, impactando la luz en sus redondeadas y sensuales formas. El maestro ha destacado las líneas de los contornos con la misma tonalidad que el fondo mientras que ha aplicado el color con rapidez y fluidez, con toques de pincel seguros y magistrales.

Ciocciara

Una imagen frontal de una mujer joven. Ella está de pie, apoyado en un marco de la puerta, vestido con el traje típico de los campesinos del sur del Lacio. Este motivo fue empleado con frecuencia por los pintores españoles que viajan a Roma, ya que rara vez pudo resistir la tentación de hacer una descripción de las costumbres como ésta. blusa amplia del modelo, falda azul y el contraste blusa oscura con las tonalidades de la pintura de color marrón verdoso. También son notables las pinceladas relajadas, aplicados con gestos amplios y quebradas. La iluminación y la demarcación de la silueta de la figura de ayudar a construir la figura en el espacio. En ese sentido, este trabajo está cerca de la sobriedad de Corot o realismo francés Courbet, mientras que el dibujo impreciso de las manos de la joven y el sentido resultante de movimiento de recordar algunas de las obras de Velázquez. Esta pintura fue adquirida por el Museo de Arte Moderno de 18 de noviembre 1940.

Picasso, (Pablo Ruiz Picasso) 1881-1973.

.

El gernica

Es cubista

Este cuadro refleja una característica particular del cubismo, la creación de transparencias.

Búsqueda de un nuevo concepto de espacio plástico basado en la bidimensionalidad de la superfície pictórica y lo representado en ella y aunque no sea realista puede transmitir emociones.

Durante la evolución del cubismo hay una reducción progresiva en el uso del color aquí ya usa solo la gama de los grises.

La visita de Picasso a España justo antes de la guerra civil le supone una gran curiosidad por lo fiesta de los toros. Todos sus elementos están en el cuadro: el toro símbolo de fuerza, brutalidad y oscuridad, el caballo de la inocencia y la víctima indirecta de todas las tragedias, el espacio acotado y la espada. Los símbolos taurinos muestran aquí la esencia de España y su sufrimiento.

La luz de la lámpara ilumina la escena central de forma triangular y no se sabe muy bien si estamos en una escena interior o al aire libre, puesto que la indefinición espacial no nos da ninguna clave al respecto. El cuadro es el más elaborado y pensado de Picasso, realizó 45 bocetos o estudios previos, que fotografió y amplió al objeto de componer el conjunto de una manera coherente y expresiva.

Autorretrato

Fue de los primeros cuadros que realizo y aunque no esta detallado todavía no es cubista.

Usa la misma gama de colores para todo el cuadro

En su cara no refleja una expresión está como vacio o incluso puede reflejar un poco de melancolía

 dora mar

inspiración africana en los colores

la representación de la realidad dejó de ser el objetivo del cuadro para ser su punto de partida.

Eliminación de la perspectiva  tradicional, ausencia de profundidad espacial

En esta etapa de Picasso su  paleta se restringió a una gama de marrones, grises y verdes

Las formas cada vez se simplifican mas

Hay grandes contrastes hay  Líneas y planos refractados y representados en negativo-positivo.

Fragmentación de las formas y del espacio en planos interrelacionados por el color y las líneas.

 El uso de la luz es  completamente arbitrario, estrictamente para acentuar los contornos y afilar los relieves.

Rechazo de la figuración imitativa de la naturaleza.

Cubismo de etapa verde, es decir, las formas debían reducirse a conos cilindros y esferas.

Es de estilo Cubismo sintético.

En vez de sombreados, para dar volumen se utilizan distintas texturas como estampados