Arte
en España de 1700-1900
el siglo XVIII español está dominado por la presencia de artistas extranjeros, muchos de ellos cultivando aún un estilo barroco: .
Luis Egidio Meléndez nacido en Nápoles hizo casi toda su carrera en Madrid y se le considera uno de los mejores pintores de naturalezas muertas del siglo XVIII. A pesar de su reputación, conoció una gran miseria.
Luis Paret, de estilo muy personal, estuvo desterrado unos años en Puerto Rico, donde creó escuela. Trató tanto el paisajismo como las escenas de interior.
A finales de siglo, comienza a trabajar uno de los genios de la pintura española, Francisco de Goya y Lucientes, que se sitúa a caballo entre los siglos XVIII y XIX formado principalmente en el movimiento artístico rococó, experimentó todas las corrientes artísticas de su tiempo para finalmente utilizar en un estilo personal, inclasificable en ninguna de ellas.
el siglo XVIII español está dominado por la presencia de artistas extranjeros, muchos de ellos cultivando aún un estilo barroco: .
Luis Egidio Meléndez nacido en Nápoles hizo casi toda su carrera en Madrid y se le considera uno de los mejores pintores de naturalezas muertas del siglo XVIII. A pesar de su reputación, conoció una gran miseria.
Luis Paret, de estilo muy personal, estuvo desterrado unos años en Puerto Rico, donde creó escuela. Trató tanto el paisajismo como las escenas de interior.
A finales de siglo, comienza a trabajar uno de los genios de la pintura española, Francisco de Goya y Lucientes, que se sitúa a caballo entre los siglos XVIII y XIX formado principalmente en el movimiento artístico rococó, experimentó todas las corrientes artísticas de su tiempo para finalmente utilizar en un estilo personal, inclasificable en ninguna de ellas.
Francisco
de Goya.
Nació en Zaragoza el 30 de
marzo de 1746 y murió en Burdeos el 16 de abril de 1828.
Tuvo varias etapas o series
a lo largo de su carrera, las cuales demuestran lo que vivía, al principio era
muy realista todo era a pedido, más tarde fue un poco religioso y cuando se
enfermó comenzó a ser más creativo y al final, gracias a la guerra de
Independencia fue conocido por su pintura bélica.
La primera etapa fue de 1775
a 1792 mas o menos, en la cual hubieron 4 series, todas parecidas entre si ya
que hacia ciertos retratos a gente de la realza, gracias a los cuales tuvo
mucha fama, y fue un retratista bastante conocido, y cuadros no muy atrevidos
por que todo lo que pintaba era a pedido.
Su siguiente etapa fue cuando tuvo que pintar para la Basílica de
Nuestra Señora del Pilar, así que claro está que la mayoría de sus pinturas
eran católicas, representaciones de Jesús y diferentes cosas. Más tarde, de
1793-1799, en la cual se fue alejando poco a poco de sus compromisos y pedidos
de la corte y empezó a ser más libre, empezó a ver el arte y la creatividad de
forma diferente la cual fue difícil de expresar. Y esta etapa coincidió con su
enfermedad, que posiblemente era saturnismo. A partir de 1794 reanudó su
relación con la nobleza madrileña, así que comenzó a volver a hacer muchos
retratos, aunque antes de esto en 1771 ya había publicado ciertos grabados, y
mientras pintaba para la realeza muy conservador trataba de expresar el dolor
que sentía con la guerra, y todo lo que sufría el pueblo. Fue una etapa difícil
ya que además de estar enfermo tenía que sufrir
La
maja desnuda
La maja desnuda es una de
las obras más importantes y famosas de francisco de Goya, el cuadro e pinto por encargo cerca
de 1800 la pinto con una obra pareja, la maja vestida a la que pinto entre 1802 y 1805, en las dos
pinturas se encuentra una mujer hermosa recostada mirando al observador del
cuadro, la mujer no es perfecta como muchos las pintaban si no que es real, es
una pintura característica de goya por ser contemporánea y a la época en la que
se hiso se llamó “la gitana” el cuadro no fue pintado para formar una pareja,
sin embargo así paso.
Muchos creen que la mujer del cuadro es la duquesa de alba que
había muerto en esos años y creen que ella se lo encargo pintar.
El cuadro esta pintado con colores de una gama cromática fría que
es característica del neoclasicismo , esta obra es distinta a la mayoría de las
obras de goya porque la pintura es erótica y es muy audaz y atrevida para su época ya que el rostro de la mujer y
su actitud reflejan felicidad y satisfacción lo que no era comúnmente
representado en esa época, de echo esta fue la primer obra en la que se pinta
el vello púbico de la mujer.
Goya pinto a la mujer con mucha luminosidad a diferencia de lo que
la esta rodeando asi que se genera un contraste
aparte fefleja sentimientos en la mirada.
El
cacharrero
Goya utiliza pinceladas
fuertes para sus pinturas pero en esta a pesar de eso se pueden notar la gran
cantidad de detalles que le pone a las caras de las personas, también se pueden
ver claramente los contrastes que hace entre luz y sombra y parece que la luz
viene de atrás, el cuadro plantea una escena de contraste social, de la familia
rica en una carrosa pasando junto a unas personas sentadas en la carretera muy
humildes.
Los
duques de osuna y sus hijos
Esta pintura fue echa para los duques de osuna que por esta
época estaban decorando una de sus casas y para esto solicitaron a Goya una
serie de cuadros de costumbres con características parecidas a las de los
modelos para tapices de los Sitios Reales, que fueron entregados en 1787. En
esta pintura las diferencias con los cartones para la Real Fábrica son
notables. La proporción de las figuras es más reducida, con lo que se destaca
el carácter teatral y rococó del paisaje. La naturaleza adopta un carácter
sublime.
San Bernardino de Siena
Goya, junto con los mejores pintores del momento, fue requerido para pintar uno de los cuadros que iban a decorar la iglesia de san francisco el grande de Madrid, esto es para el una gran oportunidad de hacerles competencia a los mejores artistas de la época Goya hace un trabajo muy bueno en la iglesia y con esto ayuda a su carrera artística muchísimo esrte es el cuadro que pintó en en la iglesia de san francisco el grande.
Goya aún pintó en otra de sus etapas artísticas tres series de
cuadros pequeños de tema como el
misterio, la brujería, la noche e incluso la crueldad y están relacionados
temáticamente con los primeros cuadros de capricho e invención que pintó tras
su enfermedad de 1793 Antes de que
finalizara el siglo XVIII.
Eduardo Rosales Gallina
Rosales es una figura
determinante de la pintura española del siglo XIX por su aportación a la
pintura de historia, género cuyo auge respaldó e impulsó con el Testamento de
Isabel la Católica de 1864, o la más trágica Muerte de Lucrecia de 1871,
medalla de oro en la Exposición Nacional de ese mismo año. Ambas obras se
custodian hoy en el citado Casón.
Impregnó sus cuadros con el
nervio, la vivencia y la virilidad que hoy nos apasionan, nos admiran y nos
obligan a amar su recuerdo y su presencia en cada pincelada. Con gran fidelidad
a sí mismo pintó Rosales como sentía la pintura, sin atenerse a las clásicas
normas academicistas, y desde el respeto a sus maestros, traspaso las barreras
de su tiempo, poseyó un concepto del color que dimanaba de su intimidad poética
y un admirable sentido de perfección en el dibujo.
Doña Isabel la Católica dictando su testamento
En esta pintura de historia
representa el momento en el que la reina Isabel dicta su testamento
Es del período romántico es
de un estilo más realista que obras precedentes de Rosales. Invirtió en ella
año y medio de trabajo, y la presentó a la Exposición Universal de París de
1867. Después volvió a Roma, a donde le llegó telegrama del paisajista Martín
Rico y Raimundo de Madrazo que le dieron la noticia del éxito alcanzado por su
cuadro: primera medalla de oro para extranjeros. Le concedieron la Legión de
honor.
La
muerte de Lucrecia
la muerte de Lucrecia,
patricia romana violada por el hijo del último rey, Tarquino,. Corría el año
510 antes de Cristo. Lucrecia se suicidó para lavar la afrenta que había
recaído sobre su padre Lucrecio y su esposo Colatino, que la sostienen en la
imagen que contemplamos mientras Bruto arranca el cuchillo que Lucrecia se
clavó en el corazón. Lucrecia quedó así como ejemplo de valor moral ante el
deshonor y el ataque a la familia. fue
un tema muy querido por los pintores neoclásicos, que buscaban regenerar la
moralidad de la aristocracia corrupta del rococó dieciochesco. Rosales recupera
este episodio de la historia romana tratándolo de una manera pasional,
desbordada, como un romántico.
Presentación de
don Juan de Austria ante Carlos V en Yuste
representa el momento en que
un adolescente don Juan de Austria,. Don Carlos aparece junto a una ventana,
prácticamente inválido por los continuos ataques de gota, por lo que lleva las
piernas cubiertas con una manta, reposándolas sobre un cojín. El emperador se
acompaña de su fiel mastín y de dos frailes jerónimos del cercano monasterio.
En el extremo opuesto se ubican los nobles de la corte imperial y el don Juan,
vestido de azul i, presentado a su padre por su tutor, don Luis de Quijada. La
técnica que consigue crear las figuras con un empastado y breve. A pesar de
reducido tamaño, la escena no pierde .
El lienzo fue encargado por
el duque de Bailén y presentado a la Exposición Nacional de 1871.
Tobías y el
ángel'
El cuadro muestra al
protagonista buscando refugio en el ángel, el cual ligeramente vuelto hacia la
izquierda señala con su mano izquierda al pez, tranquilizando al joven.
Abordado con una estética muy cercana a los pintores nazarenos alemanes y prerrafaelitas italianos, Rosales demuestra en esta obra su conocimiento de las tendencias pictóricas europeas, que ya conocía antes de viajar a Roma. Influencias que bien pudieron llegarle a través de sus maestros Carlos Luis de Ribera o Federico de Madrazo.
El pintor realizó numerosos dibujos y bocetos preparatorios, que demuestran lo estudiado de la composición y la preocupación del artista por el resultado final. Características que chocan, sin embargo, con el intencionado aspecto inconcluso de la obra, que enlaza con las indagaciones estéticas visibles en otros cuadros de esta época como Ofelia (P4623) o el Desnudo femenino (P4616).
Abordado con una estética muy cercana a los pintores nazarenos alemanes y prerrafaelitas italianos, Rosales demuestra en esta obra su conocimiento de las tendencias pictóricas europeas, que ya conocía antes de viajar a Roma. Influencias que bien pudieron llegarle a través de sus maestros Carlos Luis de Ribera o Federico de Madrazo.
El pintor realizó numerosos dibujos y bocetos preparatorios, que demuestran lo estudiado de la composición y la preocupación del artista por el resultado final. Características que chocan, sin embargo, con el intencionado aspecto inconcluso de la obra, que enlaza con las indagaciones estéticas visibles en otros cuadros de esta época como Ofelia (P4623) o el Desnudo femenino (P4616).
Por lo que esta mujer al salir del baño
que contemplamos se convierte en una de las más acertadas muestras del artista.
Aparentemente parece que está sin concluir pero se trata de una obra final,
posiblemente realizada en una sola sesión de la modelo. La mujer está vista de
espaldas, inclinándose hacia la izquierda para secarse las piernas, resultando
un escorzo de gran calidad. Se recorta ante el fondo oscuro donde destaca la
cortina verde, impactando la luz en sus redondeadas y sensuales formas. El
maestro ha destacado las líneas de los contornos con la misma tonalidad que el
fondo mientras que ha aplicado el color con rapidez y fluidez, con toques de
pincel seguros y magistrales.
Ciocciara
Una imagen frontal de una mujer joven. Ella está de pie, apoyado en un marco
de la puerta, vestido con el traje típico de los campesinos del sur del Lacio. Este motivo fue empleado con
frecuencia por los pintores españoles que viajan a Roma, ya que rara vez pudo
resistir la tentación de hacer una descripción de las costumbres como ésta. blusa amplia del modelo, falda azul y
el contraste blusa oscura con las tonalidades de la pintura de color marrón
verdoso. También son notables las
pinceladas relajadas, aplicados con gestos amplios y quebradas. La iluminación y la demarcación de la
silueta de la figura de ayudar a construir la figura en el espacio. En ese sentido, este trabajo está
cerca de la sobriedad de Corot o realismo francés Courbet, mientras que el
dibujo impreciso de las manos de la joven y el sentido resultante de movimiento
de recordar algunas de las obras de Velázquez. Esta pintura fue adquirida por el
Museo de Arte Moderno de 18 de noviembre 1940.
Picasso, (Pablo Ruiz Picasso)
1881-1973.
.
El
gernica
Es cubista
Este cuadro refleja una característica
particular del cubismo, la creación de transparencias.
Búsqueda de un nuevo concepto de espacio
plástico basado en la bidimensionalidad de la superfície pictórica y lo
representado en ella y aunque no sea realista puede transmitir emociones.
Durante la evolución del cubismo hay una reducción progresiva en el uso del color aquí ya usa
solo la gama de los grises.
Autorretrato
La visita de Picasso
a España justo antes de la guerra civil le supone una gran curiosidad por lo
fiesta de los toros. Todos sus elementos están en el cuadro: el toro símbolo de
fuerza, brutalidad y oscuridad, el caballo de la inocencia y la víctima
indirecta de todas las tragedias, el espacio acotado y la espada. Los símbolos
taurinos muestran aquí la esencia de España y su sufrimiento.
La luz de la lámpara
ilumina la escena central de forma triangular y no se sabe muy bien si estamos
en una escena interior o al aire libre, puesto que la indefinición espacial no
nos da ninguna clave al respecto. El cuadro es el más elaborado y pensado de
Picasso, realizó 45 bocetos o estudios previos, que fotografió y amplió al
objeto de componer el conjunto de una manera coherente y expresiva.
Autorretrato
Fue de los primeros cuadros que realizo y aunque no esta
detallado todavía no es cubista.
Usa la misma gama de colores para todo el cuadro
En su cara no refleja una expresión está como vacio o
incluso puede reflejar un poco de melancolía
dora
mar
inspiración
africana en los colores
la
representación de la realidad dejó de ser el objetivo del cuadro para ser su
punto de partida.
Eliminación de la perspectiva tradicional, ausencia de profundidad espacial
En esta etapa de
Picasso su paleta se restringió a una
gama de marrones, grises y verdes
Las formas cada vez se simplifican mas
Hay grandes contrastes hay Líneas y planos refractados y representados
en negativo-positivo.
Fragmentación de las formas y del espacio en
planos interrelacionados por el color y las líneas.
El uso de la luz es completamente arbitrario, estrictamente para
acentuar los contornos y afilar los relieves.
Rechazo de la figuración imitativa de la
naturaleza.
Cubismo de
etapa verde, es decir, las formas debían reducirse a conos
cilindros y esferas.
Es de estilo Cubismo
sintético.
En vez de sombreados, para dar volumen se utilizan
distintas texturas como estampados
